**Ce samedi 4 juin, salon du livre et des arts à St-André (Albères, 66) :

les écrivains Gildas Girodeau (à 11h), Joëlle Courtin (à 14 h) et J.Pierre Bonnel (à 15 h, avec Paul Gérard) présentent leur dernier livre.

Mairie, parc, médiathèque, entrée libre.

***  Mosset - Du samedi 4 juin 2016 au dimanche 5 juin 2016 
Le Village des Possibles:

à 11 heures, dimanche 5, je présente l'essai Les communautés libertaires agricoles er artistiques, avec Paul Gérard.
I
Autonomie & alternatives les 4 et 5 JUIN 2016 à Mosset


MANGER & BOIRE dans le Village
CANTINE & BUVETTE DES POSSIBLES / FEUFOLLET / LES CREPES DE MARIE / LA CAMIONNETTE VERTE /
MUSIQUE, SPECTACLES, ETC
LOU VALMONDE L’AMBULANTE / DEAMBULATIONS MUSICALES / OPERA MOSSET / APRES MOI LE DELUGE / BOEUF DU SAMEDI avec SARAH LEBIHAN & ZYKATOK / LA BANDE A GEORGES / LES BECS ROUGES / LES CORDES LOCALES / DIMANCHE DE CLOTURE avec DROOG & LE SKELETON BAND
MARCHES & VISITES
BALADE SALADE / PROMENADE DES CANAUX / VISITE DU VILLAGE, patrimoine et histoire en mouvements / LA SOURCE: marches et soins
PROJECTIONS, RENCONTRES, DEBATS...
REGENERATION PAR LE MODE DE VIE / PRESSE & EDITION INDEPENDANTE: une autonomie est-elle possible ? / AUTONOMIE(s) AU PROCHE-ORIENT ? Projection et discussion / ROCKFARMERS / L’ELAN/ BRULLS ETC: Résistance aux projets inutiles et défense des terres nourricières / REFLEXION SUR LE REVENU DE BASE / TAKE BACK YOUR POWER / INTERNET CITOYEN / L’AUTONOMIE ITALIENNE DES ANNEES 70: projection et discussion. / LES COOPERATIVES INTEGRALES CATALANES (en catalan & français) / VIDEOMATHON, projection des films réalisés pendant le Village des Possibles.
SANTE, MASSAGES, SORCIERES...
LA SOURCE: marches et soins / MASSAGE DO IN: initiation / MASSAGES: rdv individuels / GESTION DU STRESS PAR LA PLEINE CONSCIENCE: atelier d’exercices / PLANTOTHEQUE GYNECOLOGIQUE / YOGA NIDRA & L’ENERGIE DES ABEILLES / MASSAGE SUR CHAISE / UN PAS VERS L’AUTONOMIE/ INTERDIT AUX ADULTES: discussions autour du sexe et de la sexualité pour les ados et jeunes.
HABITER, SQUATTER, CUISINER, BOIRE, bref vivre...
HABITAT PARTICIPATIF 66 / LA SOURIS VERTE / HABITé: cabanes etc / VIN NATURE: dégustation / CUISINER AVEC UN FOUR SOLAIRE / LES BONS GRAS: nutrition / LE FORT DE LA GALLINE / PETIT MARCHE DES PRODUCTEURS DE LA VALLEE / BOURSE D’ECHANGE & TROC / ENERGIE CITOYENNE / AMAP / PIERRE SECHE / TERRES ET PAILLES
ENVIRONNEMENT, PLANTES, LUTTES & DECOUVERTES
TEINTURES MERES & ELIXIRS / CABINE A GRAINES / VELO-MIXEUR: sue pour ton jus ! / TRAM66: éducation à l’environnement / CONTRE LA PRIVATISATION DE L’EAU (en Conflent) / ELS BRULLS, TERRES AGRICOLES / BUTTE DE PERMACULTURE
CULTURE, ARTS, JEUX, etc: ON PRATIQUE
ESPACE D’EXPRESSION POUR LES ENFANTS / ESPACE BOUQUINS: bibliothèques et librairie/ OMNIBUS/ VIDEOMATHON / RESONANCES-LE CONFLENT A NOS OREILLES / LAND ART / RECYCL’ART SONORE / KAMISHIBAI / AGROECOLOGIE, COMPOST & ATELIER D’ECRITURE / ATELIER DE LA CHOUETTE: arts et nature / TEINTURES VEGETALES / TISSAGE A CARTE / CHEZ POLE KOSERY: bar à palabres etc / GRAND JEU: LE MONDE DES POSSIBLES / ESPACE JEUX / EXPOSITION HAITI & PROCHE-ORIENT / UNE ARME DE CONSTRUCTION MASSIVE ?
ENERGIES etc
POLE PRODUCTIONS LOCALES D’ENERGIE / SAVEZ-VOUS FAIRE DU FEU SANS FUMEE / REVALORISATION LOCALE DES HUILES DE FRITURE / ENERGIE MILITANTE / ROCKET-STOVE / MATERIEL ENERGETIQUE


        -----Elne : J.Maureso
    
 exposition "intrication des mémoires".
        Trois artistes, trois générations, trois singularités et pourtant une transversalité, une interface fertile entre nous,
        quelque chose de continu qui résiste dans le devenir perpétuel ...
        
        Au plaisir de vous voir
        
        Joseph
        - - -
        

***La carte des utopies concrètes pour que les alternatives se rencontrent

Comment décrire cet ovni du net ? A la fois manifeste, annuaire, cartographie, lieu de mise en relation, de débat et de réflexion, le site internet utopies-concretes.org est un espace de liberté en ligne autogéré.

Grâce aux outils de l’immatériel internet, les inventeurs de cette plate-forme cherchent à donner corps au phénomène des alternatives à travers quatre formats. D’abord des textes « pour composer d’autres manières de voir le monde ». Ensuite une carte, qui recense plus de 3.000 lieux en France et en Europe. Puis un réseau, qui dessine les connexions entre des milliers de sites internets de la galaxie alternative. Enfin des liens, pour nous inviter à aller voir ailleurs.

« Le but est de créer un portail, de donner une vue d’ensemble de tous ces mouvements », explique Pierre, l’un de ceux qui a eu l’idée de lancer ce site.

Le site est en constante évolution, reflétant le bouillonnement permanent des alternatives : pour chacune, une série de liens vers les articles et sites internet qui la concernent est régulièrement actualisée, constituant une sorte de journal de bord.

L’outil permet aussi aussi d’amorcer une analyse. Par exemple, le « réseau » permet de visualiser les sites internet ayant le plus de liens entre eux. Se distinguent ainsi un groupe des médias alternatifs, un autre traitant du « retour à la terre », un troisième qui rassemble le mouvement zadiste, ou encore un quatrième dessinant une galaxie des technophiles du web libre (Framasoft ou la Quadrature du net par exemple). « Mais attention, il faut affiner et prendre ces premiers résultats avec des pincettes », prévient Pierre.

Cela permet en tout cas de réaliser « qu’on est tous un peu dans la bulle de notre réseau, et que finalement on se croise peu », avance-t-il. Et ce premier point de convergence dans le monde virtuel pourrait, qui sait, en amorcer de nouveaux sur notre planète réelle.

11 mars 2016 / par Marie Astier (Reporterre)

Mort de David Bowie :

Nous mourons plus et mieux quand meurt une idole, un chanteur qui a incarné une époque, notre temps utopique de l'adolescence (Delpech). 

Quand un homme a résumé un temps, a donné un visage humain à un contexte historique précis (quand mourra J.Halliday, "l'idole" des jeunes...il sera temps, pour nous aussi, de partir !)

Quand l'icône représente la célébrité et la beauté (Romy S.), l'humour (Galabru), le romantisme inquiétant (Pierre Clémenti, décédé aussi, ces jours-ci), nous pleurons ces personnalités "people", ou plus discrètes, que nous avions l'impression de bien connaître, et c'est, bien sûr, nous-même, notre condition d'être mortel, que nous pleurons.

Nous pleurons plus quand le mort est proche : un membre de notre famille ou un acteur médiatisé. Nous pleurons moins les masses anonymes qui sont écrasées sous les bombes en Orient ou ailleurs : spectateurs de la mort quotidienne, nous sommes comme blasés…

Parfis, la mort lointaine et anonyme peut avoir sur nous un impact fort: les victimes innocentes de Paris, de Charlie ("innocents", les caricaturistes..?), du Bataclan, sont le symbole d'une jeunesse épicurienne, d'une France belle et créatrice, d'un peuple qui veut vivre hors des contraintes de l'idéologie religieuse : l'unité se fait auteur d'elles et je me fonds dans la mort plurielle, et j'oublie ma petite personne dans le destin collectif...

D.Bowie, homme trouble, transsexuel, aux mille visages, c'est la musique et le talent protéiforme, que nous admirons; c'est surtout à un être solitaire, correspondant bien à une décennie (2010/19) qui se cherche, qui s'interroge sur son identité, sur son ancrage dans un territoire, dans des frontières ou qui rêve de grand large...

David B. a enfin trouvé son image, son visage...

JPB

- - -

**Au théâtre de l'Archipel, Perpignan :

Publié le 07/12/2015 à 11:12 par leblogcultureldyl

 - merci à Y.Lucas

La rémanence des lucioles.

Rencontre avec Marie Clavaguera-Pratx, auteur et metteur en scène.

Rémanence : selon Google, Persistance d’un état après la disparition de sa cause.

J’avais rencontré Marie Clavaguera-Pratx et son frère Vincent Clavaguera lors d’une résidence à Alénya il y a quelques années. Je l’ai retrouvée en résidence pour la deuxième année au Théâtre de l’Archipel où elle prépare son deuxième spectacle La rémanence des lucioles. La création de la pièce aura lieu au Carré de l’Archipel le 12 janvier prochain.

Rencontre au foyer du théâtre.

Si vous le voulez bien, Marie, un bref retour sur votre itinéraire.

J’ai d’abord suivi un premier cycle au Conservatoire supérieur de Montpellier sous la direction d’Ariel Garcia Valdès. Je me suis formée ensuite pendant trois ans à l’École professionnelle supérieure d’Art dramatique de Lille sous la direction de Stuart Seide.

Depuis six ans j’ai travaillé comme assistante à la mise en scène auprès d’Yves Beaunesne, actuel directeur du Centre dramatique national de Poitiers.  J’ai aussi participé à la mise en scène faite par Stuart Seide de L’Annonce faite à Marie et à Intrigue et Amour de Schiller, par Yves Beaunesne. Ces deux spectacles ont été présentés au Théâtre de l’Archipel.

Vous avez aussi créé la Compagnie de la Lanterne.

C’est elle que vous avez rencontrée à Alenya où nous sommes installés. Avec mon frère Vincent Clavaguera qui est danseur nous cherchons à dépasser les limites du verbe, à travers la danse et le théâtre, afin d’en dégager une puissance expressive commune. Nous avons ainsi réalisé A l’approche du point B, créée à Alenya (2012) et présentée aussi en Poitou-Charentes, dans le Nord et à Avignon.

Parlez-nous maintenant du spectacle dont la préparation s’achève : « La rémanence des lucioles ». Evoquer les lucioles fat inévitablement penser à Pasolini, s’inquiétant de la « disparition des lucioles ». Divers auteurs abordent à leur manière le retour ou la réapparition des lucioles. Qu’est-ce donc pour vous que la « rémanence » des lucioles ?

C’est sans doute très différent d’autres approches. Il y a trois ans que je travaille sur ce projet. L’idée m’en a été donnée par un fait divers. La découverte en Russie d’une population vivant sous terre allant jusqu’à former des réseaux clandestins. J’ai enquêté et découvert qu’il existe dans le monde de nombreux groupes de population vivant sous terre. Il y en a à New-York, à Las Vegas, en Pologne…

Les ayant découverts, les gens « du dessus » veulent les faire exister. Mais ils ne sont pas attirés par l’extérieur. Il leur fait peur. La confrontation entre eux et ceux du dessus se révèle négative. Ils ont une organisation, leurs propres modes de vie, construits et structurés. Ils sont capables de nous surprendre, et sortis du « dessous » continuent à vivre avec leurs préjugés. D’où l’idée de rémanence.

Comment se présentera le spectacle ?

J’ai entièrement écrit la pièce. Elle sera jouée par une comédienne, un circassien (le guetteur), un danseur et un comédien trisomique. N’oublions pas les deux régisseurs. Nous partons du noir (les gens du dessous sont nyctalopes) au niveau du sol, et le décor se crée avec les lumières. La pièce sera présentée en création mondiale le mardi 12 janvier 2015 à 19 heures et rejouée le mercredi 13 à 20h30, au Carré de l’Archipel à Perpignan.

Propos recueillis par Yvette Lucas

**

CHEMINS du LITTORAL : 
  MAILLOL, MACHADO, Walter BENJAMIN
    par Jean Hormière *






I. Présentation


Un été 90 sur la côte catalane. La surgie d'un paysage : Nature & Histoire. Trois destins croisés : Machado, Maillol, Benjamin. Une enquête documentée et subjective qui ne cherche pas de réponse. L'art a ses raisons que la lumière de Méditerranée ne peut élucider.
    
Le film Chemins du littoral, d'une durée d'environ 50 minutes, a été tourné en 16 mm couleur, durant l'été 1990, sur la Côte Rocheuse : Collioure, Bañyuls, Port-Bou. Son ancrage local (le paysage, la musique) et sa dimension européenne (l'évocation de trois artistes, l'un originaire de la région, les deux autres étrangers, durant les années de tourmente) le destinent aux festivals et à la télévision.


    Chemins du littoral est un moyen métrage, tourné entièrement en extérieurs sur la Côte Rocheuse, ainsi qu'à Perpignan pour une brève séquence. La Côte est le vrai sujet du film. Les trois destins d'artistes que l'on suit sont en effet révélés par les lieux qu'ils traversent.
    


La Méditerranée et les Albères ; ports, vignes escarpées. La gare de Collioure, les rues qui descendent vers le port, la placette, le Château, les plages - et l'ermitage de Consolation- La maison de Maillol à Bañyuls, le port, la mairie, le laboratoire Arago et l'île Grosse - mais aussi la métairie, l'atelier, les mas alentour, les chemins de montagne, les crêtes frontalières-


    Chemins du littoral est d'abord un film de "paysages", mais les hommes aussi y ont leur place : aux migrations des années de tourmente ont succédé les migrations estivales. Et, sur le port ou dans un vallon retiré, les habitants du lieu témoignent à leur façon.


    Le présent renvoie au passé. Les traditions musicales sont à l'arrière-plan du film : la musique catalane du passé, mais aussi celle d'aujourd'hui (Teresa Rebull), envahit la bande-son.




II . COMMENTAIRE       


 Tu connais l'histoire de Valeriu Marcu et du Maharadjah? C'est Mme Istrati qui me l'a racontée.


      V. Marcu était un juif de Roumanie célèbre dans le Berlin littéraire des années 20. En 1933, il dut émigrer sur la Côte d'Azur, à 300 km d'ici, à vol d'oiseau. Un jour qu'il se promenait au bord de la mer, il vit, sur un rocher, un maharadjah si triste qu'il s'approcha de lui pour le faire sourire. L'autre, qui allait se jeter à l'eau, changea d'avis et offrit à Marcu sa plus belle limousine ainsi qu'un chauffeur à l'année.


     Six, sept ans plus tard, Lisa Fittko vit passer une limousine à la sortie de Bañyuls, rapide comme une flèche, en direction de l'Espagne. Valeriu Marcu était tapi au fond et avait gardé son chauffeur.


       L'Amérique n'était pas loin, et la frontière une simple formalité.




 2 . La promenade au port.  - Collioure 




C'était la fin de janvier 39. Machado a passé la frontière à pied, abandonnant ses bagages. A Cerbère, il a dormi dans un wagon sur une voie tranquille. Le lendemain, le train l'a emmené à Collioure, près du futur camp de concentration d'Argelès-sur-mer.


    Machado arrive en gare de Collioure à cinq heures  et demie de l'après-midi, le 28 janvier. Avec sa mère, son frère José, sa belle-sœur ; un parapluie pour toute fortune. Il fait mauvais. Jacques Baills, un employé de la gare, indique au petit groupe, pour la nuit, la pension Quintana, quelque cinq cents mètres plus bas.


     Antonio Machado, fils d'Antonio Machado y Alvarez, vient de Séville où il a grandi. De Madrid, avec son frère Manuel, il a écrit des pièces de théâtre. De Paris, au tournant du siècle. Il vient de Soria où il a enseigné, aimé et souffert. De Baeza. 


    Il s'est mis à la philosophie allemande et découvre Heidegger. Andalou intime, castillan d'essence, il remonte en Catalogne. Il s'est paré de pseudonymes et s'engage aux côtés de la République. Dans l'ourlet de la Retirada, il passer la frontière du Nord, gagne les Pyrénées Orientales, gagne l'exil.


    Et tombe à Collioure.


    La mère est épuisée. Il faut la porter jusqu'à la Placette. La mercière, Mme Figuères, permet de s'asseoir. La pension, de l'autre côté de la place, est si éloignée. On dit qu'il fallut appeler un taxi, car les eaux de la rivière ne permettaient pas le passage à gué. On prit la route par le cimetière.


    Je crois que les rescapés arrivèrent sur une barque, en remontant le Douy, la rivière qui vient de la mer. C'est dans cette pension qu'ils passent quatre longues et maigres semaines, en février, jusqu'à la mort du fils et de la mère.


    Numéro 669, 670,671, 672, 673, 674, 675: il a douze ans de moins qu'il n'y paraît. Il est professeur de français. Il est né à Séville. Réside à Madrid. Vient de Barcelone.
    Machado dort au fond, à côté de sa mère qui rêve de Séville. Machado dort enfin dans le lit de sa mère.
  
  L'escalier extérieur de la pension mène des chambres à la salle à manger, au rez-de-chaussée. Le poète et son frère n'ont que deux chemises. Quand ils lavent une chemise et la mettent à sécher à la fenêtre d'une chambre, un seul peut descendre dîner. Là est leur table. L'autre attend, à l'étage, que son frère remonte et lui passe sa chemise, avant d'aller manger à son tour.




    Le poète porte toujours le même complet bleu marine.


    C'est à la veille des congés de Carnaval que Machado doit s'aliter. Le médecin appelé ne peut rien faire. Machado meurt le 26 février dans l'après-midi. Son frère Manuel apprend la nouvelle chez un coiffeur de Burgos et arrive à Collioure trois jours après la mort d'Ana Ruiz, leur mère. Les derniers temps, le poète allait s'asseoir sur un banc, devant la pension Quintana, pour regarder les joueurs de pétanque.


    Avant de mourir, le poète a-t-il fait la promenade du phare? On connaît trois de ses promenades : il est allé deux fois au magasin de Mme Figuères ; il a contourné l'hôtel et suivi le chemin du cimetière ; avec son frère José, enfin, il est descendu jusqu'à la plage et s'est appuyé ou adossé à une barque. Mais au-delà ? La seule qui sait, la "Vérité", a brûlé sur la plage de Canet, il y a bien longtemps.


    Il faut, pour aller au phare, passer à côté de la maison "espagnole". C'est le nom qu'on lui a donné pendant le tournage du "Fils de Caroline chérie", dans les années 50. Je ne sais plus si Martine Carol était encore en vedette au générique ou si Brigitte Bardot y apparaissait déjà en figurante.


      Au-delà de la maison espagnole, la chapelle saint-Vincent. Au-delà de la chapelle. Au-delà du phare, la Grèce. 


...à suivre

***L'Association Concordia Patrimoine et Culture, éditeur d'Artfabetic et Art Angels, plateforme de mécénat participatif travaillent main dans la main pour contribuer au financement du premier volume du dictionnaire biographique des artistes plasticiens de France.

Plus de 3500 artistes vivants, qui travaillent et/ou exposent en France, sont inscrits dans ce "dictionnaire des petits maîtres qui n'a pas oublié les grands" selon son auteur Julien Dumas. Ouvrage destiné à traverser le temps, Artfabetic s'est consacré à réunir des plasticiens de toutes spécialités et tous styles, pour offrir au monde conservateur, marchand et amateur d'art la plus belle diversité artistique et multiculturelle qui soit.  

La campagne de financement participatif invite un large public à s'inscrire dans l'événement de cette parution en contribuant à la réalisation de l'ouvrage pour participer à cette formidable aventure qu'est l'édition d'un dictionnaire d'artistes plasticiens.

Je vous encourage à découvrir le projet en cliquant sur le lien www.artangels.fr.

Le monde d'aujourd'hui a besoin de votre soutien. La création doit être mise en avant, les créateurs doivent se sentir soutenus.

N'hésitez pas à me contacter par mail ou via linkedin pour de plus amples renseignements.

Bien cordialement,

Céline Marcadon, cmarcadon@gmail.com

https://www.linkedin.com/profile/view?id=AAIAAAmtnQQBoY3Qff4veIqiGARRi43TlIhDcMI&trk=nav_responsive_tab_profile_pic

www.artangels.fr

www.twitter.com/ArtAngelsInfo

  www.facebook.com/artangelsinfo

Qu’est-ce que l’art ? C’est à cette question sempiternelle que retourne Arthur Danto dans son ultime ouvrage, récemment traduit en français. Le philosophe américain y propose une nouvelle compréhension de l’art comme « rêve éveillé », substituant à la mimèsis de la Renaissance une imitation onirique du monde et de son époque.

Recensé : Arthur Coleman Danto, Ce qu’est l’art, Post-éditions et Questions théoriques, traduit de l’anglais par Séverine Weiss, postface d’Olivier Quintyn, 2015. 219 p., 22 €.

Le titre du dernier ouvrage d’Arthur Danto Ce qu’est l’art (What Art Is), publié peu avant la disparition de l’auteur en 2013, révèle l’humour d’un philosophe qui n’hésite pas à énoncer une réponse affirmative, presque péremptoire, dans sa forme, à la fameuse question, récurrente de Socrate à nos jours : « Qu’est-ce que l’art ? » Car, si les philosophes et les esthéticiens du XXIe ne se soucient plus guère de savoir ce qu’est véritablement l’art ou si telle ou telle chose est ou n’est pas vraiment de l’art, ces questions préoccupent toujours le grand public, souvent déconcerté, face aux œuvres exposées dans les lieux d’art contemporain.

L’humour d’Arthur Danto tient à sa double casquette – lui-même parlait de double-hatting – d’une part, celle de représentant de la tradition analytique de l’art, préoccupé par l’interrogation « existentielle » de Nelson Goodman «  When is Art ? » – « Quand y a-t-il art ? » – et, d’autre part, celle de critique d’art obsédé par la question ontologique, convaincu de l’existence d’une « essence » de l’art.

L’ouvrage Ce qu’est l’art serait-il donc le signe d’une petite traîtrise passagère à la cause analytique ou bien l’aveu de la nature fondamentalement essentialiste de celui qui apparaîtrait alors comme le plus « continental » des philosophes anglo-saxons ? Assurément ni l’un ni l’autre... ou peut-être l’un et l’autre ! L’un des grands mérites de Danto, conteur passionné et passionnant de l’histoire et de la philosophie de l’art depuis Platon est de parvenir à convaincre le lecteur de la compatibilité de deux conceptions habituellement considérées comme inconciliables.

Comment régler en premier lieu la sempiternelle question de l’essentialisme ?

La validité de la démonstration de Danto repose sur la constatation que « tout ne peut pourtant pas être de l’art » (p. 12), malgré Marcel Duchamp et en dépit d’Andy Warhol qui, tous les deux, prirent acte de la disqualification de l’imitation et de la naissance du modernisme. L’un avec son urinoir, l’autre avec Boîtes Brillo auraient ouvert la porte au n’importe quoi et ébranlé « la certitude qu’une définition de l’art soit encore possible » (ibid.), déplore l’auteur avec une fausse naïveté, affectant d’oublier qu’il doit, à l’un et à l’autre, les fondements mêmes de sa philosophie de l’art. On décèle comme un soupçon de regret dans le « pourtant ». Quel dommage, tout serait plus simple si tout pouvait être de l’art !

Mais le philosophe enjoué qu’est Danto ne désespère pas de mettre au jour les critères assurés permettant de reconnaître avec certitude l’essence de l’art. Cela suppose bien entendu qu’une définition essentialiste vaille pour la totalité de l’art, qu’il soit ancien, classique ou contemporain : « Si l’on considère que l’art forme un tout cohérent, il s’agit de montrer que ce qui le rend tel est décelable tout au long de son histoire » (p. 12). En clair, l’histoire évolue, les différentes périodes de l’histoire de l’art le prouvent, mais l’œuvre d’art est un invariant et son concept est en quelque sorte transhistorique.

Une théorie analytique de l’art

« Rêves éveillés », nom du premier chapitre – l’ouvrage en comprend six – entend prouver l’existence indubitable de l’essence de l’art et repérer les signes qui permettent d’identifier celle-ci. Ce chapitre est avec le dernier (« L’avenir de l’esthétique ») celui qui justifie le titre du livre et mérite une attention particulière.

Après quelques pages consacrées à la naissance du modernisme au début du XXe siècle. Danto passe assez vite sur Picasso, notamment sur les Demoiselles d’Avignon qui n’ont droit qu’à des remarques sans intérêt particulier : « Les Demoiselles sont peintes de façon nouvelle pour faire apparaître la vérité des femmes, telle que Picasso la voyait » (p. 21) ! Il ne dit mot de l’archéologie du tableau, ni de la centaine d’esquisses révélant les hésitations, les doutes, les repentirs du peintre, rien non plus sur ce manifeste de l’origine du cubisme, ni sur l’influence de Derain et de l’art primitif. Assez curieusement, il ne fait aucune allusion à ce qui aurait pu appuyer sa thèse sur le début et la fin de l’ère albertienne. Lui qui place Giotto et Cimabue à l’origine du principe de la mimèsis aurait pourtant eu beau jeu de moquer André Breton qui haussait les Demoiselles d’Avignon à la hauteur de la Vierge de Cimabue.

Néanmoins, la thèse de Danto s’énonce clairement : « La question : “qu’est-ce que l’art” est désormais bien différente que ce qu’elle a pu être autrefois dans l’histoire » (p. 36). Marcel Duchamp et ses ready-mades, dans les années 1910, Andy Warhol et ses Boîtes Brillo (1964) ont permis à l’art de révéler son essence, sa nature profonde. Fountain, l’urinoir inversé de 1917, rompt avec le bon goût et la beauté, les fac-similés de boîtes Brillo sont de simples reproductions de produits commerciaux destinés aux supermarchés ! Comment justifier l’appartenance de ces objets au monde de l’art, choses a priori sans intérêt, n’importe quoi dans l’ordre de la banalité ?

« Le Monde de l’art » (The Artworld) est justement le titre de l’article publié par Arthur Danto en 1964 dans lequel il évoque le rôle décisif de la théorie de l’art et du contexte historique qui ont permis de « faire la différence entre une boîte de Brillo et une œuvre d’art qui consiste en une boîte de Brillo » [1].

Cette réponse, que Danto jugera lui-même après coup non satisfaisante, vaut à la rigueur pour Andy Warhol mais non pour Duchamp. Brillo Box est une copie parfaite, à s’y méprendre, d’un objet réel, alors que le ready-made est cet objet réel lui-même. Certes, si Warhol avait acheté de vraies boîtes de produit à récurer de marque Brillo au magasin du coin et les avait exposées telles quelles dans une galerie d’art, il aurait montré des ready-mades mais l’artiste pop s’en est bien gardé. En 1917, Fontaine, objet de plomberie, jugé immoral et vulgaire, a été refusé par le monde de l’art new-yorkais de l’époque, en particulier par la Société des Artistes Indépendants, tandis que, près de cinquante ans plus tard, le même monde de l’art présent à la Stable Gallery de la 74e Rue Est, accepte Boîte Brillo « sur le champ », précise Danto dans La transfiguration du banal. Une philosophie de l’art. Cet ouvrage, paru en 1981, avait recours à un raisonnement typique de la tradition anglo-saxonne. Danto entendait explicitement « établir […] une théorie analytique de l’art » [2] qui permettrait de faire la différence entre deux objets, apparemment identiques, perceptuellement indiscernables l’un de l’autre, et dont l’un est considéré comme une œuvre d’art et l’autre non. Danto reprenait l’idée d’une « atmosphère de théorie artistique » et celle « du climat créé par le monde de l’art », lequel n’est pas seulement celui le monde des connaisseurs, des milieux spécialisés et institutionnels – c’est la conception de George Dickie [3], autre théoricien analytique – mais un monde d’« objets interprétés », c’est-à-dire saisis par une interprétation philosophique et artistique qui identifie l’objet et le constitue en œuvre : « sans une théorie de l’art, une tache de peinture noire est simplement une tache de peinture noire et rien de plus » (p. 218). La notion d’« à propos de » (aboutness) est ici primordiale dans cette différenciation : une œuvre d’art est « à propos de quelque chose », elle est créée en fonction d’un projet, elle est intentionnelle.

Toutefois, ces critères, s’ils sont nécessaires pour distinguer l’œuvre artistique de son double banal et sans intérêt, sont insuffisants pour aboutir à une définition universelle et intemporelle de l’œuvre d’art.

L’art est une signification incarnée

Ce qu’est l’art entend précisément combler cette lacune. Danto s’attarde longuement, dès le premier chapitre, sur l’épisode de sa visite à la Galerie Stable en 1964, là où Andy Warhol exposait les Boîtes Brillo. Cette anecdote qui revient, tel un leitmotiv, dans ses écrits, donne la mesure du traumatisme provoqué par cette scène inaugurale, primitive, une sorte de Urszene freudienne, sans résilience, où se trouvèrent mélangées une bonne dose de répugnance esthétique et, heureusement, une « intoxication philosophique » persistante à l’origine de sa réflexion (p. 53). Deux découvertes se révèlent alors décisives. Premièrement, si les œuvres d’art sont « à propos de quelque chose », cela veut dire qu’elles sont des « significations incarnées ». Et si les différences entre les boîtes du commerce labellisées Brillo et les Boîtes Brillo de l’artiste new-yorkais ne sont pas visibles, il doit y avoir des différences et des propriétés toujours invisibles. La conclusion s’impose d’elle-même : « Ce sont les propriétés invisibles qui font que quelque chose est bien de l’art » (ibid.). Deuxièmement, Danto enrichit la définition de l’art comme signification incarnée d’une condition nouvelle inspirée par Descartes et Platon : l’art est un rêve « éveillé », allusion au rêve lucide raconté par l’auteur des Méditations métaphysiques, dans lesquelles Descartes finit par s’assurer de son existence en résistant aux tromperies du Malin Génie, et à l’allégorie de la Caverne chez Platon. Danto, lui, en conclut qu’à la disparition de l’imitation classique et à l’obsolescence du principe de la mimèsis établi à la Renaissance, succède une imitation moderne onirique. L’artiste rêve le monde et son époque et ce rêve est objectivé dans la forme que l’artiste donne à l’œuvre qu’il crée.

Ce chapitre, intitulé « Rêves éveillés », le plus long des six, est véritablement celui qui justifie le titre de l’ouvrage. Non pas que les suivants soient secondaires, mais ces textes, issus pour la plupart de conférences réécrites, servent surtout à exemplifier la thèse principale, à savoir que la définition de l’art de l’art est universelle et transhistorique.

C’est le sens, notamment, de « Restauration et signification ». En quelques pages malicieuses et sur un ton libertin, Danto rend hommage à l’artiste Cy Twombly qui parvint à le persuader que la restauration, en 1994, du plafond de la Chapelle Sixtine était une réussite et mettait en valeur Le Jugement dernier peint par Michel-Ange. Les lecteurs de La Madonne du futur, ouvrage publié en 2000 (version française en 2003) savent quelle importance Arthur Danto accorde à ce chef d’œuvre du maniérisme et quel rôle essentiel joue celui-ci dans sa philosophie de l’art : « Si l’on envisage l’art venant après Michel-Ange dans le cadre d’une histoire dont le point de butée est constitué par le plafond de la chapelle Sixtine et Le Jugement dernier, il ne peut être que post-historique » [4]. En déclarant qu’il est impossible d’aller au-delà de la figure de Jonas telle qu’elle est représentée sur le plafond, Danto laisse entendre que Michel-Ange marque à la fois la fin d’une période historique, celle que Giorgio Vasari met prodigieusement en scène dans les Vite [5], et le commencement d’une autre ère, celle qui s’achève avec Andy Warhol et signifie, de façon beaucoup plus radicale, la fin de l’art... mais non pas celle des artistes.

Digression sur un thème proposé par l’Université de Klagenfurt, « Le corps dans la philosophie et dans l’art » revient sur la question de l’éliminativisme, une thèse qui nie la possibilité de décrire nos états mentaux à l’aide du langage. Le langage du corps qui prétend décrire nos passions, l’amour, le désir, la colère etc., relève de la psychologie naïve. Or, seules les sciences cognitives parviendraient à rendre compte, à l’aide des nouvelles technologies, réellement du langage du corps. Cette perspective laisse Danto plutôt sceptique qui prend ses distances par rapport aux performances corporelles contemporaines, bien éloignées, selon lui, de notre « glorieuse tradition artistique ».

Passionnante mais trop rapidement évoquée, est l’interprétation renouvelée de l’esthétique d’Emmanuel Kant que les formalistes, tels Clement Greenberg, revendiquent pour justifier précisément leur formalisme en art. Dans la mesure, selon Danto, où il affirme que l’âme est intimement « liée aux facultés de connaître », autrement dit que la connaissance passe aussi par les sensations, Kant donne la possibilité d’interpréter l’art de « n’importe quelle période artistique », y compris celui de l’époque contemporaine.

L’exclusion de l’esthétique

Sans craindre l’effet comique du running gag, Arthur Danto évoque derechef, dans le dernier chapitre sur « L’avenir de l’esthétique », les boîtes Brillo, les vraies, fabriquées dans un but commercial, et Boîtes Brillo, les « fausses », d’Andy Warhol. Le plus continental et européen des philosophes anglo-saxons se souvient qu’il appartient pleinement à la tradition analytique lorsqu’il traite du rôle de l’esthétique. Sa définition de l’art comme « signification incarnée » doit tout à la philosophie et absolument rien, selon lui, à une esthétique que les ready-mades de Marcel Duchamp ont totalement exclue de la sphère artistique : « Je peux [...] affirmer que l’essentiel de l’art créé aujourd’hui n’a pas pour but principal la mise à disposition d’une expérience esthétique » (p. 177). Soit. Mais ce chapitre met surtout en lumière la différence existant entre l’acception « analytique », nord-américaine du terme « esthétique », qui reste liée, pour Danto, à la beauté, à l’agréable, au plaisir, à la satisfaction des sens, etc., et celle de la tradition européenne pour qui l’esthétique est associée à la fonction critique du jugement, aussi bien dans l’art que dans les rapports de celui-ci avec la société. Exprimée dans les années 1980, en cette époque de la fin des avant-gardes et de la dissolution des grands récits de légitimation, la position post-historique d’Arthur Danto s’inscrit parfaitement dans le contexte de l’époque mais son raisonnement demeure surprenant. Des nombreuses œuvres pop qui apparaissent aux États-Unis pendant une quinzaine d’années entre 1955 et 1970, Danto isole Boîte Brillo, objet non esthétique mais philosophiquement artistique grâce au double jeu d’une galerie reconnue et d’un artiste déjà célèbre. Cet objet aberrant, simple fake d’un carton destiné à la poubelle, trouve soudainement sa place dans l’histoire de l’art occidental dont il symbolise la fin programmée et inévitable. Magique, la transfiguration de ce banal objet semble relever de la sorcellerie dans la mesure où Danto passe sous silence le contexte social, économique et idéologique de cette métamorphose, ou plutôt de cette transfiguration quasi mystique, célébrée avec zèle par les dévots fidèles du monde de l’art. Dans sa pertinente Postface à l’ouvrage « Splendeurs et misères de l’essentialisme », Olivier Quintyn note à juste titre, en référence à Jean Baudrillard : « [...] l’indiscernabilité de la Boîte Brillo sert à hypostasier et à consacrer, en une expérience symbolique fulgurante, le continuum culturel du signe-marchandise qui relie en une même chaîne implacable l’art, la marchandise et la valeur somptuaire du signe dans l’échange » (p. 200).

L’histoire des indiscernables entre le modèle et sa copie pourrait alors être lue comme une fable, un leurre qui sert à masquer l’indiscernabilité, ou plutôt la similitude, voire littéralement l’équivalence de tous les objets, réduits à leur valeur d’échange, pris dans le jeu consumériste du capitalisme néolibéral. « Les boîtes de Harvey relèvent de l’esprit objectif des États-Unis aux alentours de 1960 » (p. 175) reconnaît Danto en faisant référence à la fois à Hegel et à James Harvey, l’artiste commercial qui a peint initialement les boîtes de produits à récurer. Il en va donc nécessairement de même pour les Boîtes Brillo de Warhol, avec cette différence, précise Danto, qu’elles rendent l’esprit objectif conscient de lui-même. Puis il s’interroge : « L’esthétique des boîtes Brillo nous en dit long sur l’esprit objectif dont elle relevait. Mais que nous dit-elle de l’esprit absolu, en imaginant qu’elle en dise quelque chose ? »

Ce qu’elle en dit est peut-être bien l’émergence, vers la fin des années 1960, dans le contexte de la société de consommation des Trente Glorieuses, du Business et Star Artist, figure aujourd’hui incontournable du marché de l’art international. Le contexte mercantile actuel de l’art post-historique tend plutôt invalider l’idée de l’art comme « signification incarnée » en quête d’interprétation, et à lui substituer celle d’un art émotionnel sous l’emprise des mass-médias et d’un management efficace et rentable. Un autre récit post-historique, inconcevable pour Danto, est peut-être déjà en train de s’écrire sur le thème : « après la fin de la fin de l’art ». C’est une autre histoire !

Arthur Coleman Danto, artiste-graveur dans sa jeunesse, eut à cœur, pendant un quart de siècle, d’exercer ses talents de critique d’art au magazine The Nation, « autrement que la plupart des critiques new-yorkais de tendance conservatrice », confie-t-il à la fin de l’ouvrage. Il ajoute : « Mon rôle, en tant que critique, était de dire de quoi parlait l’œuvre – ce qu’elle signifiait – et à quel point cela valait la peine que je l’explique à mes lecteurs » (p. 182). Le mérite de son dernier livre est de remplir parfaitement ce rôle en conciliant le philosophe de la fin de l’art et le critique d’art pour qui importait, au plus haut point, la survie de l’art et la continuation de son histoire.

nouveau lien dossier fin nouveau lien dossier

Pour citer cet article

Pour citer cet article :

Marc Jimenez, « L’art mis en boîte », La Vie des idées , 11 décembre 2015. ISSN : 2105-3030. URL : http://www.laviedesidees.fr/L-art-mis-en-boite.html

fin pour citer cet article

Nota bene :

Si vous souhaitez critiquer ou développer cet article, vous êtes invité à proposer un texte au comité de rédaction. Nous vous répondrons dans les meilleurs délais : redaction@laviedesidees.fr.