La ville de SORT (province de Lleida : Lérida)

Le reportage, hier 21 août, dans le quotidien "Libération" sur "Les chemins de la liberté", était passionnant. Il raconte l'épopée de ces gens fuyant le nazisme et le régime de Pétain, passant par les neiges ariégeoises à 2500 mètres et arrivant en Catalogne : là, les carabiniers les attendaient et les mettaient en prison.

Le journaliste s'attache au petit village de SORT, dans la région de Lérida et à son église gothique, qui va devenir la prison de ces malheureux...

Dans les prisons franquistes, ces exilés sont parqués avec les milliers de Républicains arrêtés par les fascistes... IL devront attendre des mois avant que la Croix Rouge internationale puisse s'occuper de leur... sort !

Il est à noter, cependant, que le régime franquiste ne renverra pas en France, occupée par les nazis et par le régime de Vichy, ces Résistants, Juifs ou militaires alliés fuyant la peste brune  malgré les accords entre Franco et Hitler...

Ils furent quelque 3000 mille à partir du Couserans et à être arrêtés et entassés dans la chapelle de Sort. Guy Seris, le responsable du musée de St-Girons consacré à ce chemin de la liberté, décrit le sentier le plus mythique, reliant St-Girons à Alos d'Isil, en Catalogne  (une marche est organisée chaque année au mois de juillet).

Cet article m'a rappelé la visite récente faite au cinéaste Philippe Soler (à Céret), m'apprenant que son film sur les Juifs fuyant par le Valier enneigé sera diffusé le 9 septembre à 20h30 sur TV3 (documentaire financé par la Generalitat, mais pas par la France…)

     Le professeur Eugène Kouchkine (à gauche) au théâtre de Saint-Maur pour un exposé sur Caligula.

J'étais en train de reprendre mes lectures estivales de Camus pour préparer les conférences proposées fin octobre, par les AIAM (Amitiés internationales A.Malraux) * quand je lis dans Le Monde de ce mercredi un article : "16 avril 1994, B. Stora quitte Sartre pour Camus"...

 En effet, c'est un article du "Monde des livres" qui va changer la vision que l'historien du Maghreb avait de Camus; il lit d'une traite Le Premier homme : 

   "J'en avais les larmes aux yeux. Je l'ai relu une semaine plus tard. Quelle force ! On était, après la chute du mur de Berlin, en pleine crise des idéologies... Cette lecture a totalement bouleversé l'image que j'avais de Camus et de la littérature. Vingt ans plus tôt, alors que j'étais un jeune étudiant d'extrême gauche, j'avais été influencé par J.P. Sartre…" 

Lire Camus brûlant de B. Stora (voir ce blog, été 2013).

Je relisais donc ces phrases fameuses de Camus, telle "Oui, j'ai une patrie, la langue française.", à l'opposé de l'imposture d'un incertain J.M. Hoerner qui fait du prix Nobel un Catalan… (sur les textes de Camus en Catalogne, lire les Carnets, et pages 67 et 1213 de l'édition de la Pléiade, oeuvres I.)

Je revenais sur ces textes courts et poétiques, mi-fictions, mi-réflexions, de L'envers et l'endroit; ainsi "L'amour de vivre" où il est écrit : "Pas d'amour de vivre sans désespoir de vivre."

Je relisais Le discours de Suède et les articles pour l'Espagne républicaine (lire Lou Marin : Camus libertaire)… Tant à relire ! On en reparlera à l'occasion de la venue en Roussillon d'E. Kouchkine, un des maîtres-d'oeuvre de la nouvelle édition de La Pléiade !!!

J.P.Bonnel

* Les Amitiés Internationales André Malraux

ont le plaisir de vous inviter au cycle de

conférences présenté

du 21 au 26 octobre 2014, par

Eugène KOUCHKINE

à l'occasion du centenaire de la naissance

d' Albert CAMUS. 

du 21 au 28 octobre, les conférences auront lieu, à 18 h, à Perpignan (Palais des Congrès), à Vernet les bains, à Elne, à Collioure, à Saint-Cyprien, à Canet…(avec l'aide des municipalités et d'associations comme "Rivages des arts", "Les amis d'Illibéris", le Mas Baux…

** Eugène Kouchkine est maître de conférences en littérature française et comparée à l’Université de Picardie Jules Verne. Il a soutenu une thèse de doctorat intitulée : Les œuvres de jeunesse d’Albert Camus (l’évolution de l’existentialisme littéraire en France).

En 1982, il publie sa monographie : Le premier Camus. Il a participé à la nouvelle édition des Œuvres complètes de Camus,

Gallimard, Bibliothèque de la Pléiade, contribué au Dictionnaire Camus (2009) et au Dictionnaire Malraux, en 2011. Il est actuellement membre du Centre d’Études du Roman et du Romanesque à l’Université de Picardie, ainsi que du Conseil administratif de la Société des Études Camusiennes (S.E.C)et des Amitiés Internationales André Malraux (AIAM).

 E. Kouchkine, deuxième à gauche. Est aussi présent J.Louis Meunier qui, en octobre 2013, est venu nous parler de Camus et l'Algérie, à Elne, et du philosophe au lycée Renouvier de Prades (avec les AIAM et notre ami Jean Bigorre).

- - -Un texte d'E. Kouchkine : 

LES JUSTES (1949)

Mise en scène en décembre 1949, au Théâtre Hébertot, cette pièce appartient au deuxième cycle des œuvres de Camus, celui de la Révolte. Apre, tendue et profondément lyrique, elle traduit son désir de créer une véritable tragédie moderne tout en croyant que l’époque s’y prêtait. En pleine guerre froide, Camus poursuit une réflexion sur la question de la violence qui s’impose à lui en termes de conscience intellectuelle et morale. L’antagonisme de deux notions positives, l’amour de la vie dans toute sa plénitude et la justice sociale, lui paraît alors essentiel.
La pièce s’écrit pendant la longue élaboration de L’Homme révolté dont le chapitre « Les meurtriers délicats » sera consacré aux protagonistes des Justes. Dans la Russie de 1905 qui lui semblait surgir des Démons de Dostoïevski, Camus trouva ce qu’il cherchait: une sorte d’équivalent éthique pour parler de son temps. Au terrorisme, il assignait un caractère exceptionnel de « rupture » et lui imposait la notion de limite nécessaire. Impressionné par la mort héroïque des jeunes révolutionnaires russes, il rassemble sur eux une importante documentation iconographique et écrite. Le livre des souvenirs du célèbre terroriste Boris Savinkov lui fournit le sujet et les personnages, l’exemple d’une pratique de la violence liée à la responsabilité personnelle. Ivan Kaliayev payait sur l’échafaud la vie qu’il avait prise au grand-duc. D’autre part, refusant l’infanticide, il sauvait l’honneur de la révolution. C’est justement ce refus de la « violence confortable » que Camus accentue dans l’action de ses personnages. Par ailleurs, il saisit des motifs christiques dans le comportement de certains terroristes, « cet amour plus grand que tous: celui de l’homme qui donne son âme pour son ami ». (OC, t.2, p.1091) Il est séduit par leur « exigence personnelle » qui les poussait à la terreur et par leurs « paradoxes » : l’abnégation qui allait jusqu’au mépris de leur propre vie et le respect de la vie humaine, leur foi dans la terreur et les doutes qui les déchiraient dans la pratique de la terreur. Tout en reconnaissant le caractère inévitable de la violence, ils avouaient qu’elle était injustifiée. « Nécessaire et inexcusable, c’est ainsi que le meurtre leur apparaissait »- c’est la formule par laquelle l’auteur présente les héros de sa pièce.
Certes, Camus n’écrit pas une pièce historique, son souci étant de « rendre vraisemblable ce qui était déjà vrai ». Il idéalise les personnages, en laissant dans l’ombre ce qui pourrait ternir leur image. D’autre part, il tient à réussir une véritable tragédie d’amour, d’une passion plus humaine que symbolique, même et surtout si cet amour doit rester impossible. L’opposition entre le devoir de servir la justice et le sentiment pour un être aimé ne laissera aux amants qu’une seule issue, « le sang et la corde froide ». Inséparable de Kaliayev, Dora est une figure essentielle de la pièce et manifestement le porte-parole de l’auteur. Comme dans une tragédie antique où l’hubris est puni, Dora, tout en restant fidèle à la cause révolutionnaire, est consciente de la démesure de leur entreprise et reconnaît la faute de la transgression.
Or, Camus ne conçoit pas de justice sans chance de bonheur. Dans la pièce, elle est présente sous deux formes – l’amour et le renoncement. Aux antipodes d’abord, les deux héros-idéologues Kaliaïev et Stepan semblent se rapprocher à mesure que la pièce touche à son dénouement et laisse l’impression que Stepan a déjà effectué le parcours de renoncement dont les deux autres protagonistes prennent le chemin. Mais l’ultime aveu de Stepan Je l’enviais marque la victoire morale de Yanek sur le nihilisme. Or, Yanek mort dans le renoncement, il ne reste à Dora et à Stepan qu’à le suivre, ils se ressemblent tous maintenant.
Camus construit un cadre de clandestinité, statique et abstrait, d’un extrême dépouillement. Une constante unité de ton qui laisse une impression glacée, voulue par l’auteur. Le froid délibéré de l’atmosphère exprime physiquement le renoncement des personnages à ce qui est la vie vivante. Le silence ponctue le discours et souvent le suspend, un silence qui crie. Le huis clos, le temps qui paraît figé proposent une sorte de portrait métaphorique de l’intériorité de ces « bombistes ». Après l’assassinat du grand-duc, vivre pour Kaliayev devient une « torture», « la justice même est désespérante ». Les cris de Dora qui martèlent tragiquement le dépassement de soi de l’héroïne aboutissent à son verdict: « Nous ne sommes pas de ce monde. Nous sommes des justes. Il y a une chaleur qui n’est pas pour nous. Ah! Pitié pour les justes ». La dernière exclamation nomme le sentiment que devait, en fin de compte, susciter la pièce. Ce destin que Camus veut exemplaire, est aussi, au niveau de la révolte à présent, une histoire de « suicide supérieur », une « tragédie de l’intelligence ».
Cependant, dans la vision du dramaturge, ses « admirables révoltés » choisissent de mourir pour que la justice demeure « vivante », c’est-à-dire « une brûlure et un effort sur soi-même ». Elle meurt dès qu’elle devient « un confort », un « meurtre par procuration ». Camus voyait sa pièce comme une tragédie qui n’offrait pas de solution hormis la mort, mais n’en restait pas moins une pièce d’espoir. Nul doute qu’en ce sens Dora et Yanek restent, à ses yeux, des personnages exemplaires: aux prix de leur vie, ils sauvegardaient ce qui est sacré dans l’esprit de la révolte. Au milieu du XX-e siècle leur exemple, espérait-il, pouvait rendre la révolution à nouveau révolutionnaire.
Les « justes » continueront à vivre dans la mémoire de Camus. En 1955, il tiendra à préciser qu’il « admire » et qu’il « « aime » toujours ses deux héros : Kaliayev et Dora. Sans doute, voyait-il en eux des personnages de Dostoïevski. En 1957, quand les bombes explosaient à Alger et Camus le ressentait comme une tragédie personnelle, il pensait à sa pièce « russe »: « J’aimerais remonter Les Justes qui sont encore plus d’actualité aujourd’hui ». Travaillant au Premier Homme, il revenait encore à Kaliayev. L’idéal d’une haute conscience morale où la douleur d’autrui devenait l’aune à laquelle on mesure tout progrès historique, dicta en conséquence l’ensemble des choix du dramaturge. Et c’est par cette exigence à la fois morale, lyrique et politique que la dernière pièce de Camus s’impose comme une oeuvre mémorable pour inscrire sa note unique et vivante dans la sensibilité contemporaine.

Eugène Kouchkine

Indications bibliographiques : Raymond Gay-Crosier, « Le jeu ou la tragique comédie des Justes », Revue des lettres modernes, n° 419-424, 1975, p. 45-70 ; Maurice Weyembergh, Albert Camus ou la mémoire des origines, Bruxelles, De Boeck, 1998, p. 177-186 ; Alain Béretta, Les Justes, Ellipses, 1999 ; Jeanyves Guérin, « Pour une lecture politique des Justes de Camus » in Jean-Pierre Goldenstein et Michel Bernard (dir.), Mesures et démesure dans les lettres françaises au XXeme siècle. Hommage à Henri Béhar, Honoré Champion, 2007, p. 97-110 ; Albert Camus, Œuvres complètes, t.3, Gallimard, coll. « Bibl. de la Pléiade, 2008, éd. par Eugène Kouchkine.

David Foenkinos 

Encore en villégiature en Ariège, pour une randonnée au pic des Trois seigneurs, à partir du lac bleu (après Tarascon, vallée de Rabat-les-trois-seigneurs), je n'ai pas pu avoir accès à internet et donc, je n'ai pas pu alimenter mon blog, ma drogue quotidienne...

Ah, maudite montagne de la mère (dourage) Ariège, qui mempêche d'écrire et qui, surtout, ne m'a pas permis de parler du film de David Foenkinos : La délicatesse, son film qui fut diffusé dimanche soir...

David F. est un jeune romancier talentueux, nourri de culture et d'humour : André Bonet m'a invité à le rencontrer, il y a quelques semaines à Perpignan et le contact fut tout de suite chaleureux. David F. a voulu lire mon livre sur W. Benjamin car il travaille sur le même thème, la même époque, comme l'explicite ci-dessous André Bonet (merci à lui et à son texte publié sur le site du CML).

D. Foenkinos doit revenir à Perignan enseptembre : j'espère le retrouver et parler de Charlotte Salomon...

COUP DE COEUR DE LA RENTREE LITTERAIRE : "CHARLOTTE" DE DAVID FOENKINOS : IL N'Y A PAS DE MOTS POUR DIRE L'EMOTION QUE PROCURE LA LECTURE DE CE LIVRE BOULEVERSANT, RARE ET BEAU. LE GRAND ROMAN DE LA RENTREE !

Ce roman retrace la vie de Charlotte Salomon, artiste peintre morte à vingt-six ans alors qu'elle était enceinte. Après une enfance à Berlin marquée par une tragédie familiale, Charlotte est exclue progressivement par les nazis de toutes les sphères de la société allemande. Elle vit une passion amoureuse fondatrice, avant de devoir tout quitter pour se réfugier en France. 

Exilée, elle entreprend la composition d'une œuvre picturale autobiographique d'une modernité fascinante. Se sachant en danger, elle confie ses dessins à son médecin en lui disant : «C'est toute ma vie.» Portrait saisissant d'une femme exceptionnelle, évocation d'un destin tragique, Charlotte est aussi le récit d'une quête. Celle d'un écrivain hanté par une artiste, et qui part à sa recherche. 

  (André BONET et le CML)

 La Délicatesse 

La délicatesse

Genre : Comédie dramatique

Année de sortie : 2011

Acteur : François Damiens, Audrey Tautou, Bruno Todeschini

RésuméNathalie a perdu son mari il y a trois ans. Hantée par le souvenir, elle se réfugie dans le travail et semble avoir mis un terme à sa vie sentimentale. Elle rejette tous les hommes, y compris son séduisant patron. Son entourage s'inquiète. Pourtant, un jour, sur un coup de tête, elle embrasse Markus, un collègue de travail, qui n'est même pas beau garçon. L'événement aurait pu être sans lendemain. Mais de fil en aiguille, Markus s'attache à la fragile Nathalie, tandis que cette dernière s'adoucit au contact de cet être un peu gauche. Markus et Nathalie suscitent rapidement les interrogations de leurs collègues, puis leur franche désapprobation...

David Foenkinos

David Foenkinos au salon du livre Radio France, le 26 novembre 2011.

David Foenkinos, né le 28 octobre 1974 à Paris, est un romancier français.

Il étudie les lettres à la Sorbonne, tout en se formant au jazz, ce qui l'amène au métier de professeur deguitare. Son premier roman est publié en 2002 chez Gallimard. Ses romans sont traduits à l'étranger, dans trente-cinq langues.

Selon Le Figaro, il fait partie des cinq plus gros vendeurs de romans en 2011.

David Foenkinos avoue une admiration sans bornes pour l'œuvre d'Albert Cohen dans son ensemble, ce qui l'amène à décliner régulièrement le thème de l'amour dans ses œuvres littéraires. Il se consacre principalement au roman.

Ses œuvres sont empreintes d'une légèreté à la fois loufoque et jubilatoire, et pleines d'humour. Ceci est particulièrement remarquable dans Le Potentiel érotique de ma femme qui a obtenu le prix Roger-Nimieren 2004. L'écriture enlevée y décrit, derrière l'ironie, les ravages de la collectionnite, l'angoisse de l'abandon et les difficultés de l'amour. Le caractère imprévisible du coup de foudre est mis en scène dansEntre les oreilles. Dans En cas de bonheur, David Foenkinos aborde les relations de couple et l'adultère avec drôlerie et tendresse. Ses romans Nos séparations et La Délicatesse sont également consacrés à l'analyse subtile et émouvante des comportements amoureux qui peuvent se révéler parfois farfelus.

Dans ce contexte, sa participation à la collection « Ceci n'est pas un fait divers » dans laquelle il a publié Les Cœurs autonomes, roman inspiré de l'affaire Florence Rey, a pu surprendre. Il l'a justifiée en disant que ce livre a pour sujet l'amour, comme ses romans précédents. Ce qui l'a intéressé dans ce fait divers sanglant est en effet le rapport entre la folie amoureuse et la folie meurtrière. Il y décrit l'enfermement de Florence Rey et d'Audry Maupin dans une passion autarcique qui les détruit et les mène à la chute.

 Josep PLA.

Je reviens au romancier de Palafrugell en citant un extrait de son autobiographie romancée (dans l'édition de 1982, chez J.Chambon; depuis une édition intégrale est disponible chez Gallimard).

Spectateur immobile dans le province de Gérone, il reprend ses notes de jeunesse et rédige son journal intime, le recompose, autour de deux années essentielles, 1918 et 19. Retiré dans l'Ampourdan, sur une terrasse donnant sur la mer de la Costa Brava, il feint d'accepter la victoire franquiste. En fait, par son oeuvre, il s'engage en donnant une oeuvre catalane, le point de vue d'un homme et d'un auteur catalans, faisant vivre tout un peuple, la Catalogne étouffée par Franco… (JPB)

"…De la plage, alors qu'il tait déjà noir, on voit passer la farandole. Dans les cercles lumineux que font les becs de gaz des maisons s'avance d'abord un nuage de postière. Dans le nuage s'avance la cobla qui joue avec un son nasillard l'aires, l'aires, l'aires de la matinada. Un épais détachement d'enfants, la jeunesse du paissait en sautillant au son machinal de la musique par rands de quatre ou six en se donnant le bras. La poussière a une couleur rougeâtre….

C'est truculent et amusant. Les érudits disent que les farandoles pourraient être une réminiscence des anciennes fêtes bachiques…" (page 173)

* Les masques du moraliste du Catalan Josep Pla

La catalane est une petite grande littérature. Elle fut éblouissante au Moyen-Age : Ausias March est à la hauteur des plus grands poètes du XV^e siècle (ou des plus grands poètes tout court), et Cervantès a dit que Tirant le Blanc, le roman de Joanot Martorell, était «le meilleur livre du monde» (de fait, il est impossible de comprendre le Quichotte sans le Tirant) ; après une longue période d’obscurité, l’éblouissement est revenu au XX^e siècle. Davantage, selon moi, par la poésie que par la prose ; avec quelques exceptions, dont Josep Pla.

Pla est né, a vécu et mourut dans la région de l’Ampurdan, de l’autre côté de la frontière française. Même s’il faisait tout son possible pour le dissimuler, c’était un homme très cultivé ; avant tout, de culture française : venant directement de Montaigne, des moralistes du XVII^e et du XVIII^e siècle et de Stendhal, finalement de Proust. Pour cette raison peut-être, ce n’est d’ordinaire pas une lecture de jeunesse, en tout cas ce ne le fut pas pour moi : il manque d’imagination et d’enthousiasme, jamais de pessimisme. Rien ou presque ne définit mieux sa vision du monde que sa théorie du pourboire. On se lève le matin et la fin du monde n’est pas arrivée : pourboire. On écrit un article pour Libération et il y a quelqu’un pour trouver que ça ne vaut pas rien : pourboire. Pour Pla, on vient au monde pour éviter toutes les catastrophes possibles et pour encaisser tous les pourboires possibles. Des vers mémorables de Ricardo Reis, l’hétéronyme de Pessoa, résument cette pensée : «Mais pour celui qui rien n’espère, tout ce qui vient est un bienfait.»

Pla fut avant tout journaliste, ou plutôt écrivain de journaux ou dans les journaux ; en tout cas, il aurait été d’accord avec le docteur Johnson affirmant que seuls les idiots écrivent sans être payés. En dépit, ou précisément à cause de ça, c’était un graphomane. Son œuvre est énorme, elle aborde presque tous les genres (y compris le roman, genre qu’il disait mépriser, peut-être parce qu’il se sentait, à raison, moins propre à l’exercer). Elle peut ou même doit être lue comme une autobiographie vaste et secrète, dont le protagoniste est sa grande création : un paysan narquois, sceptique, ironique, hédoniste, conservateur et mélancolique, nommé Josep Pla. Rien d’impudique dans tout ça ; au contraire : rappelons-nous que, en latin «persona» signifie masque, et que, comme l’a remarqué Nietzsche, parler beaucoup de soi-même est la meilleure manière de se cacher. Si bien que ce paysan fictif nommé Josep Pla a été le masque utilisé par Josep Pla pour se déguiser ; pour se révéler aussi, car si le masque est ce qui nous dissimule, il est d’abord ce qui nous révèle : de même que le Marcel de la Recherche est plus Proust que Proust, de même le Pla de ses livres est plus Pla que Pla.

Cet aspect est peut-être plus visible que nulle part ailleurs dans les journaux de Pla, la partie la plus intime de son œuvre, la meilleure peut-être. Le Cahier gris est le premier d’entre eux. C’est un livre étrange : un journal de jeunesse écrit dans la maturité ; ou du moins réécrit : Pla a conçu son livre à 60 ans en se fondant sur les notes qu’il avait prises à 20. Le livre s’étale sur à peine plus d’un an et demi, de mars 1918 à novembre 1919. On y voit surtout le mûrissement moral et intellectuel d’un jeune provincial devenu correspondant d’un quotidien catalan à Paris, mais aussi, au fil de cette sorte de Bildungsroman, un long défilé de personnages, de paysages, de réflexions et d’histoires dont le résultat est aussi bien le portrait moral d’un pays que la construction d’un univers autonome. Tel quel, c’est l’un de ces livres rares et heureux qu’on peut ouvrir à n’importe quelle page et qui offre, à n’importe quelle page, quelque chose de plaisant et d’intelligent. C’est aussi, peut-être, la meilleure introduction à l’œuvre d’un écrivain indispensable.

Javier CERCAS (Libération, 20 mars 2013)

** Barcelone 1918-1919 revisité à l’âge mûr.

L’auteur du«Cahier gris», journaliste francophile et voyageur impénitent, est hanté par le paysage méditerranéen :

Au printemps 1924, Paul Valéry donne une conférence à l’Ateneu de Barcelone. Pour une fois, il n’est pas venu parler de poésie, mais de prose, et, curieusement, il ne parle pas de littérature française, mais provençale. Valéry affirme qu’une littérature reposant uniquement sur la poésie se convertirait inévitablement en une littérature moribonde. Et il donne comme exemple la littérature provençale qui, après avoir donné une extraordinaire poésie médiévale, ne put jamais ouvrir sur une grande littérature de la Renaissance. «Eloignez-vous des Provençaux, aurait-il dit, et cultivez la prose, cultivez systématiquement toutes les formes de prose.»

Dans le public, il y a un jeune journaliste nommé Josep Pla (1897-1981). Jamais il n’oubliera les paroles de Valéry. En ces années-là, Pla cache ses origines paysannes, s’habille comme un dandy, cherche à entrer dans le corps diplomatique, voyage frénétiquement à travers l’Europe entière, veut écrire comme Paul Morand. Ambitieux, il sait déjà combiner un particularisme cosmopolite, provocateur et intelligent, avec un usage moderne et efficace de la langue catalane, loin du régionalisme folklorique et du patriotisme post-romantique de l’époque. Sa première œuvre, publiée l’année suivante, empreinte son titre à Victor Hugo, Coses vistes (Choses vues). Le livre est un succès, la critique célèbre avec ferveur l’apparition d’une nouvelle voix«maître à penser».

Gaudi. Auteur d’une œuvre de plus de quarante volumes en catalan et d’une demi-douzaine en espagnol, Pla est un écrivain de la race de Hemingway et de Simenon. Sa littérature se situe dans un espace autobiographique où toute déviation par rapport aux règles du genre paraît la norme. Il se présente comme un mémorialiste. Ses pages sur l’architecte Antoni Gaudi, ses réflexions sur l’ultracatholicisme de Salvador Dali, son grand ami de l’Ampurdan, sa biographie du peintre Santiago Rusiñol ou du sculpteur Manolo Hugué, sont une partie de ses intérêts artistiques. Mais on ne peut oublier ses récits de marins et de contrebandiers, son livre sur Cadaqués, ses livres politiques, comme le portrait acerbe des rues de la Madrid républicaine, ses chroniques parlementaires où il pressent la guerre civile, ses réflexions sur le concept de catalanité. Pla observe la réalité avec une soif de vampire. Il aime décrire avant tout la vie quotidienne des gens humbles. Il écrit aussi des livres de cuisine traditionnelle. Ils ont passionné Manuel Vázquez Montalbán, pour qui «Pla est le prophète du régime méditerranéen».

Conservateur, sceptique, antipédant, hédoniste, politiquement incorrect, toujours intéressé par le pouvoir : sa pensée ne peut être réduite à une étiquette. Il a toujours été antirépublicain, avant même la proclamation de la Seconde République en 1931. Il le reste, bien sûr, durant les années agitées de cette République, et le restera jusqu’à sa mort. Quand la guerre civile débute, il n’hésite pas à soutenir Franco, comme une importante partie de la bourgeoisie catalane. Peut-être croit-il que c’est l’unique manière d’imposer un ordre politique et social. Mais il préfère ne pas voir qu’il en sortira une dictature. Appartenant dans l’après-guerre au camp des vainqueurs, il signifie vite que, en tant qu’écrivain catalan, il appartient à celui des vaincus. L’interdiction de la langue catalane et la violente répression culturelle le conduisent à rejeter le bilinguisme, à penser de manière critique ce qui a eu lieu. Il se réfugie dans un certain exil intérieur.

Le Cahier gris (1966) est le livre le plus significatif de Pla. Sa genèse textuelle est complexe : on y trouve toutCoses vistes, dissout et réélaboré. Pla a toujours présenté leCahier comme si c’était son véritable journal de jeunesse. Mais certains critiques ont découvert que des parties importantes avaient été publiées dans d’autres livres ou dans des articles postérieurs. Le Cahier gris est, en somme, l’origine et la synthèse de toute son œuvre.

Grippe. Le journal original existe et c’est, en effet, un cahier à couverture grise probablement refait dans les années 1950 et 1960. Il débute un jour après la fermeture, pour cause de grippe espagnole, de l’université de Barcelone où il étudie le droit. Il se termine, un an et demi après, à la fin des cours. Le protagoniste quitte Barcelone et se rend à Palafrugell, sa commune natale. Le journal est traversé par une véritable obsession, le paysage méditerranéen. Il y a des repas pantagruéliques, des cuites successives, des balades à la recherche d’hommes «primaires» (pêcheurs, chasseurs, paysans) qui paraissent en harmonie avec une nature instinctive et sauvage. Il y a aussi une réflexion ironique, et parfois cynique, sur la sensualité, les relations sexuelles, la manière dont la raison boite sous le poids des sens.

En janvier, l’université ouvre de nouveau ses portes. Pla revient pour écouter des professeurs vieillissants, qui l’agacent. Finalement, il entre à l’Ateneu, véritable école alternative, dotée d’une bibliothèque où il commence à écrire. Il traduit Jules Renard, fréquente les «tertulias» (cénacles se réunissant généralement au bistrot).

Le thème transversal du Cahier gris est la peur : peur de manquer ses examens, peur des femmes, peur de manquer d’argent, peur de ne pas réussir à devenir écrivain. A la fin, le lecteur bénéficie d’un livre écrit une fois les examens réussis, l’argent venu grâce au journalisme : ce journal, écrit avec le naturel et le charme propre au chemin stendhalien. Tout a été sacrifié à «la manie diabolique d’écrire». Seule subsiste la peur énigmatique des femmes. Mais ceci est une autre histoire… Le Cahier Gris et son auteur jouent aujourd’hui dans la culture catalane un rôle semblable à celui de Fernando Pessoa dans la culture portugaise.

Textes traduits de l’espagnol par Philippe Lançon

Xavier PLA (Libération, 29.3.2013)

 (C) Jaume Plensa

Je viens de revoir à Barcelone quelques retables de Martorell et, d'Antibes (Musée Picasso) à Nice (place Garibaldi), les sculptures impressionnantes et grandioses du Catalan Jaume Plensa (né en 1955 à Barcelone). 

Pourquoi ce petit pays, la Catalogne, donne-t-il naissance à autant de grands artistes..? (Dali, Miro, Picasso, Tapiès, Cuixart, Ponç, Gaudi, Barcelo, Grau-Garriga...)

** Catalanité : art classique et contemporain, religiosité et patrimoine

Publié le 6 août 2014 par Lux Catalunya

Retable de Saint Vincent

Longtemps, connu sous le nom de "maître de Saint Georges", la cohérence de l'oeuvre de Bernat Martorell et sa prédominance dans le gothique international catalan ont été reconnus à l'issue de nombreux travaux de recherche.

Lux Catalunya vous propose un voyage à la Cour d'Aragon que ce grand peintre catalan a représentée comme un décor, comme un univers dans lequel il a placé des scènes de la vie des saints. Dans la peinture de Martorell, la réalité porte la symbolique et la mystique devient réelle.

Des portraits méticuleux de la société du royaume d'Aragon

Sur cette vue de la "Décapitation de Saint Georges", le talent de miniaturiste de Martorell s'exprime avec une grande précision. Le sens du mouvement est donné à l'avancée de la foule massée par le pli des étoffes. La présence de différentes classes sociales dans les différentes oeuvres de Martorell donne lieu à un aperçu de la garde-robe de l'époque.

La mode est aux vêtements longs pour les personnages de pouvoir, tel Dacien qui porte un long manteau brun dont les manches sont ouvragées. Le chapeau rouge marque, souvent, le personnage qui occupe la position de juge ou de dignitaire.

Les bourgeois sont vêtus de riches étoffes brunes et vertes, au revers d'hermine parfois, et coiffés de chapeaux.

Les hommes et les femmes du peuple sont en tunique, déchirée, rapiécée et savates aux pieds.

Du goût de l'époque à une maturité artistique

Les procédés décoratifs utilisés par Martorell peuvent également nous renseigner sur le goût de l'époque et les tendances esthétiques en vogue.

Plaçant les décors des "vies de saints" dans sa contemporanéité, Martorell travaille les sols carrelés et les murs couverts de broderies. Dans le triptyque consacré à Saint Michel, Sainte Eulalie et Sainte Catherine (ci-dessus), Martorell s'inspire des motifs géométriques à la mode à l'époque dans lesquels certains auteurs reconnaissent une influence hispanique empreinte de courant" mozarabe".

Les fonds dorés travaillés de caractères fins et de motifs fleuris et variés pourraient corroborer cette hypothèse. Ces fonds sont aussi une des caractéristiques du raffinement de Martorell.

Concernant les scènes d'extérieur, le recours à des paysages arborés rappelle les primitifs flamands, tout comme le traitement morphologique des personnages. Pourtant, en privilégiant la représentation de la foule, Martorell se distingue vivement des principes caractéristiques de ce courant et développe, dans son approche des groupes, une stylistique personnelle.

Martorell a, sans doute, pris la mesure de l'essentiel des courants stylistiques porteurs à cette époque et a su en faire une fertile synthèse à partir de laquelle s'est affirmée son esthétique. Ce parcours témoigne aussi de l'ouverture et de l'enrichissement de l'art catalan à la Cour d'Aragon.

L'intervention divine représentée en nuée : la signature Martorell

Sur la plupart des tableaux de Martorell, notamment ceux qui consacrent la maturité de son style, l'artiste n'hésite pas à figurer l'intervention divine, avec le même réalisme que les scènes historiques.

Ce choix, qui peut paraître surprenant aujourd'hui, est fort logique à l'époque où la distinction entre le spirituel et le matériel n'est pas encore entièrement tracée. L'intervention divine n'est pas suggérée ; elle est clairement représentée, au coeur des scènes religieuses afin que le spectateur puisse identifier et retenir sa présence, sa manifestation et son implication dans le déroulement des évènements.

Dans la "Décapitation de Saint Georges", un ange apparaît dans une forme de nuée qui est un procédé typique de Martorell pour figurer les interventions divines. Le ciel semble s'ouvrir pour laisser passer l'ange et le porter. De l'autre côté, la foudre qui s'abat sur la Cour du proconsul Dacien pour venger le martyr de Saint Georges est également remarquable d'intensité.

Le retable des Saints Jean comporte également cet effet ; cette fois-ci c'est Dieu tenant un globe crucifère qui se trouve au centre de la nuée, penché vers le Christ pour apporter sa bénédiction à son baptême par Saint Jean Baptiste.

Il faut avouer que le rendu photographique de ce détail est bien en deçà des nuances et des vibrations qu'il produit lorsqu'on observe physiquement le tableau.

Sur une des rares oeuvres de Martorell consacrée à la Vierge Marie, l'Annonciation, on retrouve cette nuée, particulièrement accentuée, qui accompagne le message de l'archange Gabriel. Ce tableau, daté de 1427, est aujourd'hui conservé au Musée des Beaux arts de Montréal.

* Remerciements à ce blog passionnant : luxcatalunya.over-blog.com

(Catalanité : art classique et contemporain, religiosité et patrimoine)

Publié le 11 août 2014 par lux catalunya

En octobre 2012, Jaume Plensa a investi la Place Vendôme à Paris de ses sculptures monumentales.

Entre virtualisation croissante de l'existence et incarnation de l'éphémère, les personnages de Jaume Plensa nous renvoient à nos propres variations entre l'heure du jour et de la nuit.

En 2007, Antibes avait accueilli Jaume Plensa dans le cadre d'une exposition temporaire organisée par le musée Picasso. La ville a acquis en 2010 la sculpture monumentale Le Nomade en acier inoxydable peint en blanc, de 8 mètres de hauteur installée sur la terrasse du bastion Saint Jaume telle une figure de proue. Le visiteur peut entrer facilement dans cette sculpture creuse d'un géant formé de lettres blanches en acier soudées les unes aux autres. Elle représente un humain assis, une jambe repliée et le visage tourné vers la mer.Son visage est ouvert avec deux hypothèses possibles : soit les lettres n'ont pas pu se développer ou sont en cours de développement soit elles ont subi une désintégration. Jaume Plensa ne délivre aucune réponse définitive. C'est une invitation à un voyage à l'intérieur de la sculpture faite de vide et de silence voire dans l'espace. La pièce se trouve sur une roche non taillée délimitant un fragment de terre voire un monde. Dans la mythologie et dans l'Antiquité, il était courant de vouer un culte aux roches dont on estimait qu'elles étaient capables de prédire l'avenir. Chez les Sémites et les grecs, il est souvent fait référence au fait que l'homme est né de la pierre. Dans Les métamorphoses,Ovide raconte que les titans Deucalion et Pyrrha ont fabriqué une nouvelle race humaine après le fort déluge provoqué par Jupiter pour punir les hommes : les yeux bandés, ils ont lancé des pierres non taillées loin derrière eux et elles se sont transformées sans qu'ils s'en rendent compte en hommes et en femmes.